El Atelier Urbano

Soy Luz y acá dejo crónicas personales, observaciones sociales y análisis desde el movimiento.

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  • Estación Luz: carriles responsables de la historia de una ciudad

    Estación Luz: carriles responsables de la historia de una ciudad

    Si pienso en transporte lo primero que se viene a mi mente es una línea de colectivos (o buses), específicamente el corredor 73 (Córdoba – Argentina) ya que con él podría llegar al lugar donde vive actualmente mi familia… pero debo decir que en San Pablo si se delibera sobre transporte, el medio de movilidad por excelencia, popularidad y economía es el Metro.

    Recuerdo haber leído en alguna ocasión que, solo aquí, se mueven más de 500 millones de personas al año. Lo que representa un buen numerito, ¿no?

    Una de las estaciones de Metro que más miradas, fotografías y quizás hasta artículos turísticos se lleva, es con certeza la Estación Luz o Estação da Luz. Esta bella construcción fue abierta al público hace más de 114 años y representa una importante pieza articuladora entre el Metro y el servicio de trenes.

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    Panorámica de la Estación Luz en San Pablo / Foto: Shutterstock

    Estilo arquitectónico

    A primera vista, y para quien no comprende mucho de estilos arquitectónicos, te recuerda instintivamente a otro sitio de tarjeta postal. Aunque tarda un poco en caer la ficha, queda claro que su estructura traída desde Inglaterra le dio un parecido con el Big Ben. La construcción, de una marcada estética victoriana, quedó a cargo del ingeniero James Ford, quien colocó un enorme reloj que se convirtió rápidamente en un ícono histórico y punto de referencia.

    Y si de referencias hablamos debo admitir que, personalmente, conocerla fue una herramienta de inclusión social. Para explicarme un poco mejor debería recordar que mi nombre es Luz (el mismo que lleva la estación), cuando llegué a San Pablo nadie lograba entender cómo me llamaba exactamente. Para algunos era Luis (a una persona le dije una vez ¿de verdad tengo cara de Luis?), para otros Luiza o Lucía. Sin perder mucho el tiempo me armé un speech bien simple: «Hola, me llamo Luz como la Estação da Luz». Con él, logre que todos los brasileños pudiesen comprender cuál era mi nombre y hasta cómo se escribía.

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    Estación Luz en San Pablo / Foto: Shutterstock

    Jamón del medio

    La Estación Luz se encuentra rodeada de importantes espacios culturales de la ciudad de San Pablo, entre ellos podría destacar: la Pinacoteca del Estado, el Museo de la Lengua Portuguesa y el Jardín de Luz. Lo que vuelve a este cuarteto una ruta interesante para quienes visitan la ciudad y quieren conocer varios sitios en pocos kilómetros.

    La Pinacoteca (a mi modo de ver, sitio que hay que visitar sí o sí) es el museo de artes visuales más antiguo de la ciudad y pertenece a la Secretaria de Cultura del Estado. Según informan en su sitio oficial, realizan cerca de 30 exposiciones al año con más de 500 mil visitantes. Aunque supongo que este año rompieron el récord… durante el verano, las esculturas hiperrealistas de Ron Mueck reunieron a más de 400 mil personas en solo tres meses de exposición. Lamentablemente, mis cinco intentos de ingresar fueron fallidos: con cuatro horas de cola por delante, solo pude apreciar uno de sus trabajos.

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    Muestra de Ron Mueck en la Pinacoteca / Fotos: Luz Rubio

    Datos útiles para organizar la visita

    Pinacoteca del Estado

    • Dónde queda: Praça Da Luz, 66 – Bom Retiro
    • Horarios: Martes a domingos de 10:00 a 18:00hs (feriados también). Lunes, cerrado.
    • Cómo llegar: Metro Línea Amarilla, sentido «Luz»
    • Entrada: Gratuita del 18/07 al 18/10. Fuera de este período, el costo depende de la muestra.
    • Servicios: Tiene bicicletero y estacionamiento gratuito. Otro estacionamiento cercano cobra R$13,00 por 3 horas.
    • Más info: pinacoteca.org.br

    Estación Luz

    • Dónde queda: Praça da Luz, 1 – Bom Retiro
    • Horarios: Todos los días de 04:00 a 00:00hs
    • Cómo llegar: Metro Línea Azul, sentido «Luz»
    • Entrada: Gratuita
    • Más info: estacaodaluz.org.br

    Museo de la Lengua Portuguesa

    • Dónde queda: Praça da Luz, s/nº – Bom Retiro
    • Horarios: Martes a domingos de 10:00 a 18:00hs
    • Cómo llegar: Metro Línea Amarilla, sentido «Luz»
    • Entrada: R$6 general / R$3 estudiantes / Gratis los sábados
    • Más info: museulinguaportuguesa.org.br

    Jardín de Luz

    • Dónde queda: Praça da Luz, s/nº – Bom Retiro
    • Horarios: Todos los días de 09:00 a 18:00hs
    • Cómo llegar: Metro Línea Amarilla, sentido «Luz»
    • Entrada: Gratuita
  • Roberto Burle Marx: «hacer paisajismo es crear la permanencia de lo inestable»

    Roberto Burle Marx: «hacer paisajismo es crear la permanencia de lo inestable»

    Mientras una deambula por las múltiples propuestas vinculadas al arte que ostenta la ciudad de San Pablo, sin querer se va topando con numerosos exponentes que pueden resultar familiares o no. Aquellos artistas a quienes los medios de comunicación no dieron una notoria exposición pueden parecernos desconocidos, sobre todo para alguien en formación como yo. Aunque, al mismo tiempo, esta situación despierta una curiosidad difícil de esquivar.

    La Pinacoteca de San Pablo posee en su programación una muestra dedicada a Roberto Burle Marx. Y aunque parte de su apellido pueda sonar conocido, nada tiene que ver con el revolucionario alemán que a veces nos viene a la mente.

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    Para empezar, va una brevísima ficha técnica:

    • Nombre completo: Roberto Burle Marx
    • Nacionalidad: Brasileña (nació en São Paulo)
    • Fecha de nacimiento: 4 de agosto de 1909
    • Fecha de fallecimiento: 4 de junio de 1994

    Roberto Burle Marx es reconocido como uno de los arquitectos paisajistas más importantes del siglo XX. Fue un hombre multifacético, ya que se desempeñó también como diseñador, pintor, grabador, litógrafo, escultor, tejedor, ceramista, joyero y decorador.

    Aunque nació en São Paulo, vivió parte de su infancia en Río de Janeiro y más tarde en Berlín, donde estudió pintura y tuvo sus primeros encuentros con obras de Picasso, Van Gogh y Klee. Esos estímulos marcaron su estilo.

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    Los jardines diseñados por Burle Marx eran comparados con pinturas abstractas: algunos curvilíneos, otros de líneas rectas, siempre con una característica central: el uso de especies nativas brasileñas para crear bloques de color.

    Trabajó junto a reconocidos arquitectos modernos como Lúcio Costa, Rino Levi, Affonso Eduardo Reidy y Oscar Niemeyer, en proyectos donde arquitectura y paisajismo dialogan e integran.

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    Su inspiración estaba profundamente ligada a las formas de la naturaleza. Sus pinturas reflejan esa experiencia como paisajista y botánico. Algunas de sus obras más reconocidas incluyen:

    • Abóboras com Bananas (1933)
    • Morro do Querosene (1936)
    • Cataventos (1940)
    • Morro de São Diogo (1941)
    • Figura em Cadeira de Balanço (1941)
    • Peixes (1944)

    En los años 70, tuvo un rol activo como ecologista, promoviendo la necesidad de formar conciencia crítica frente a la destrucción del medio ambiente.

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    Investigando un poco más, encontré una serie documental de cuatro episodios producida por la televisión brasileña, que explora sus facetas como coleccionista, paisajista, botánico y ambientalista. Ideal para quien quiera seguir conociéndolo.

    La muestra que motivó esta búsqueda se titula Uma Vontade de Beleza y se expuso en la Pinacoteca de São Paulo del 29 de noviembre al 19 de abril.

    Dato extra:

    Un proyecto de casa que nunca llegó a construirse dio origen a lo que hoy se conoce como el Parque Burle Marx, con una superficie de 138 mil m². Allí conviven más de 90 especies de animales y una gran diversidad de flora nativa de la Mata Atlántica, combinada con reforestación de eucaliptus. Este parque representa una síntesis del arte y la mirada paisajística de Burle Marx, y está abierto al público todos los días de 7 a 19 h (entrada: R$10 de lunes a viernes / R$12 fines de semana).

  • Frida Kahlo por Reinaldo Berto

    Frida Kahlo por Reinaldo Berto

    Nota para Gala Visuales *

    Para quienes conocen un poco de la obra de Frida Kahlo no resultaría extraño el concluir que sus cuadros son ricos en colores vibrantes y brillantes. Y que al mismo tiempo, ella supo darles un simbolismo especial para reflejar ciertos sentimientos o ideas.

    Frida ha resultado ser la musa para muchos y una referencia clave para adentrarse en el arte mexicano. Su muerte temprana y una vida de leyenda motivan a diferentes artistas, a inmortalizar parte de su legado y su filosofía.

    Reynaldo Berto se define como autodidacta, considerándose un observador atento y sensible de los paisajes urbanos como una gran fuente de inspiración. Su exposición titulada a secas “Frida Kahlo” muestra la influencia en él de la pintora, no solo en cuadros sino también en la intervención de diversos objetos como sillas, ventiladores, almohadas, entre otros.

    Con trazos fuertes y colores vibrantes, Berto utiliza su estilo divertido y caricaturesco para personificar por ejemplo a “Mônica” un personaje creado por Maurício de Sousa, en una escultura de 1,60 m. denominada “Monikahlo”.

    Colores de México

    El corazón de cada país, está en su pueblo. Para representar el orgullo de los mexicanos y de la mismísima Frida por sus raíces, Reynaldo trabajó en unos de sus cuadros los colores de la bandera de dicho país, que representan la esperanza y la sangre de los héroes nacionales.

    Vientos de México

    Entre los objetos expuestos e intervenidos por el artista, se encuentran dos pequeños ventiladores de pie. Está obra participó del Design Weekend 2014, Festival de decoración, arquitectura, arte e innovación tecnológica, siendo parte de la exposición de ventiladores retro personalizados.

    Datos de la Exposición:
    “Frida Kahlo” por Reynaldo Berto
    Del 24 de Julio al 31 de Agosto
    Shopping Frei Caneca – Rua Frei Caneca, 569 – São Paulo
    De lunes a sábados de 10hs a 22hs. Domingos de 12hs a 20hs
    Entrada gratuita

  • Pablo Picasso en el CCBB de San Pablo

    Pablo Picasso en el CCBB de San Pablo

    Nota para Gala Visuales *

    Por Luz Rubio

    Con el paso del tiempo comienzo a comprender, e incluso a vivenciar, el lugar que posee la ciudad de San Pablo en el mundo del arte. En solo 6 meses de estadía, innumerables exposiciones de artistas reconocidos y emergentes se han dado cita en los diferentes espacios culturales. Y estoy segura que no llego a enterarme de todas!

    En esta oportunidad vamos a conversar sobre la exposición que da título a esta nota. El Centro Cultural del Banco de Brasil, sede San Pablo, recibió más de 90 obras que evidencian la influencia de Picasso en el arte moderno español.

    Con la curaduría de Eugenio Carmona (profesor de Historia del Arte en la Universidad de Málaga), la muestra se encuentra dividida en ocho módulos y busca referenciar todo el trayecto artístico de Picasso. Al mismo tiempo, se incluyen los trazos más importantes y originales de la sensibilidad artística del pintor y de algunos de sus contemporáneos españoles que dejaron una gran impresión en el escenario internacional de las artes. El listado de nombres es amplio y se divide entre los que influenciaron a Picasso y entre los que resultaron influenciados por Picasso: Miró, Dalí, Gris, Domínguez, Sunyer, Tàpies, Saura, Milares, Chirino, Torres-García, Palazuelo, solo por citar algunos.

    La exposición fue organizada en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Mapfre. Entre algunas de las obras más importantes se encuentran: El Pintor y la Modelo (1963), Cabeza de mujer (1910), Retrato de Dora Maar (1939), entre otras producciones.

    Un punto destacable de la muestra es, definitivamente, el “making of” del cuadro más famoso de Picasso, el Guernica. Durante aproximadamente diez minutos se desarrolla en formato audiovisual una interesante explicación, denominada “Del Minotauro al Guernica”, sobre los diferentes bocetos antes de llegar al original, las diversas partes en las que puede sectorizarse el cuadro, los por qué de la pintura y su contexto histórico-social.

    Guernica era la capital de un centro emblemático de la cultura vasca, y fue destruida por un bombardeo durante la Guerra Civil Española. En esa época Picasso pintaba cuadros cuyos temas se centraban en el artista y la modelo. «Mas, en medio de la Guerra Civil, con una Alemania nazi y la Rusia de Stalin, él no podía pasar más tiempo pintando solo eso«, explica Carmona.

    Hasta llegar al Guernica final, Picasso mudo la obra unas siete veces y antes de eso realizó aproximadamente unos 40 diseños más pequeños que retrataban: el minotauro griego, un caballo y una mujer destrozada.

    La muestra podrá ser visitada desde el 25 de marzo hasta el 08 de junio, de miércoles a lunes de 9:00 a 21:00hs con entrada gratuita.

    El dato: por cuestiones de derecho de autor no está permitido tomar ninguna foto en el interior de la muestra. Hay seguridad por todas partes, por lo que aconsejaría cumplir con la disposición.

    El dato plus: el CCBB tiene varios pisos y habitaciones, y se ordena al público siguiendo una faja de color en el piso. Si uno va prestando atención, es sencillo recorrerla. Sino, es posible perderse alguna sala!

     

  • Artistas Brasileros: Cranio en la Galería Luis Maluf

    Artistas Brasileros: Cranio en la Galería Luis Maluf

    Nota para Gala Visuales *

    La mayor parte de las ciudades del mundo cuentan con un sello diferenciador, que las convierte en algo seductor frente al ojo del extranjero, y hasta del propio ciudadano. San Pablo puntualmente, parece ser una metrópoli cuyo cuerpo adopta un tatuaje nuevo cada día. El arte del grafiti busca su protagonismo, floreciendo en cada espacio concebible.

    A diario mientras camino, con el fin de llegar a algún lugar (o no), he podido fotografiar con mi cámara numerosos mensajes plasmados en los muros paulistas. Capas y capas de pintura se lucen en paredones, puentes, túneles, plazas, y hasta en predios residenciales que parecen haber encontrado el escape perfecto a la monotonía del blanco, o los colores pasteles.

    Esta expresión artística ha servido a lo largo de los años para documentar diversas realidades sociales, culturas ancestrales, formas de vida, desigualdades e influencias extranjeras. Y como el escenario urbano de una de las ciudades más grandes del mundo, parece no alcanzar, algunos grafiteros se mudan transitoriamente a las galerías de arte para exhibir sus trabajos más representativos. El contexto es definitivamente otro, pero debo reconocer que la historia a contar puede lograr el mismo efecto o incluso, uno mayor.

    Hace unos días visité la Galería Luis Maluf, en ella se expone parte del trabajo del grafitero paulista Fabio de Oliveira Parnaiba, más conocido como “Cranio”. Este público fan de Salvador Dalí ha traspasado las fronteras brasileras, llevando su trabajo a países como Francia, Holanda, Estados Unidos, Inglaterra y España.

    Su obra es fácilmente encontrada en los muros de la ciudad de San Pablo. Se dice que existe en él, cierta influencia tanto de la pintura maorí, como de la cultura tribal de Nueva Zelanda.

    Su trabajo en las calles brasileras comenzó en 1998 y ya posee una marca registrada: sus indios azules. Estos seres vibrantes, nacieron durante la búsqueda de un personaje que simbolizara a su país (Brasil). Junto a ellos y a buenas dosis de humor ha demostrado la imperiosa necesidad de repensar cuestiones como el consumismo, la identidad cultural, el medio ambiente y los problemas por los que atraviesa nuestra sociedad actual. En las obras se puede visualizar cómo este grupo de indios azules se descubre invadido por la globalización y el avance de la tecnología. La necesidad de conocer todo lo que pasa a nuestro alrededor, se encuentra ironizada en cada una de las representaciones creadas por Cranio, bajo la técnica del aerosol. El papel de la tribu parece ser un tanto “moralista”, instalando una clara crítica hacia nuestro vicio por la tecnología.

    La exposición lleva el nombre de “ToChipado”, y resulta un paseo obligatorio para los admiradores del mundo del grafiti y, sobre todo, de su crítica social.

    Si bien la muestra solo estará disponible durante un mes en la Galería Luis Maluf, la obra de Cranio puede seguirse en sus redes sociales o, por qué no, en las calles del mundo. Quienes prestan atención a los muros de sus ciudades, quizás tropiecen alguno de sus mensajes.

  • El intrigante universo creativo de Patricia Piccinini

    El intrigante universo creativo de Patricia Piccinini

    Nota para Gala Visuales *

    Cuando algo consigue agudizar aún más mi curiosidad, ocupo el tiempo que sea necesario para lograr un entendimiento más profundo e indagar en el porqué de mi atracción. Por estos motivos, visité en soledad y durante tres horas la exposición “ComCiência” de la artista australiana Patricia Piccinini.

    Ya de entrada, su nombre constituye un neologismo que sujeta una interesante conexión entre las palabras “Consciente” y “Ciencia”. Con el pasar de los minutos una reflexión sobrevuela en el aire… De qué forma el arte, en sociedad con el medio ambiente y la sapiencia, nos posibilita un entendimiento mayor sobre nosotros mismos? Según el curador de la muestra Marcello Dantas, “se trata de una obra sobre la aceptación”.

    Las piezas de Patricia Piccinini parecen enfatizar el lado humano de los animales y el lado animal de los humanos. Criaturas “bizarras” producidas con silicona, fibra de vidrio y hasta con cabellos humanos, logran un efecto extraño en sus observadores atónitos. Primero, un cierto rechazo, luego curiosidad y reflexión. Ellos aparecen indefensos, cariñosos y hasta carismáticos, deformando lo que a primera vista reconoceríamos como “normal”.

    La artista se considera madre de cada uno de esos seres. En su adolescencia se interesaba por temas relacionados a la genética y la tecnología. Y creo que existe un cuestionamiento tácito (no una crítica como muchos afirman) sobre la ética, en procesos como la clonación o la manipulación genética. El detalle pormenorizado de piel, uñas y cabello es asombrosamente real, conquistando cierta similitud con la especie humana.

    Aunque algunas piezas parezcan extraídas de una película de suspenso que anticipa un posible desenlace trágico, Patricia encuentra un cambio de perspectiva ante ello: la mirada de los niños. La ausencia de preconceptos permite escenas inquietantes sin ser asustadoras, dejando en claro que ellos aceptan lo diferente con una espontaneidad y regocijo admirables.

    “ComCiência” es la primera exposición individual de Piccinini en Brasil, con 9.000 visitantes en su primer día. Se presenta en San Pablo hasta el mes de enero y luego parte hacia el CCBB de Brasilia y de Río de Janeiro para seguir despertando sentimientos encontrados. Aunque existe un breve parecido de su obra con la de Ron Mueck (quien altera radicalmente las dimensiones humanas), las temáticas e intereses de ambos son de raíz, diferentes.

  • La faceta que pocos conocen de Leonardo Da Vinci

    La faceta que pocos conocen de Leonardo Da Vinci

    Nota para Gala Visuales *

    Parte de la colección del «Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia  Leonardo da  Vinci (MUST)» en Milán (Italia) desembarcó en la Galería de Arte del Sesi en la ciudad de San Pablo.

    La muestra reúne más de 40 piezas y 10 instalaciones interactivas que representan la trayectoria del artista desde 1452 a 1952. Basándose en los diseños originales, ingenieros e investigadores recrearon paracaídas, catapultas, helicópteros, grúas gigantes, carros de combate entre otros objetos.

    La exposición «Leonardo Da Vinci: La Naturaleza de la Invención» se encuentra divida en 7 módulos temáticos que representan a cada uno de los temas estudiados por Leonardo: Introducción, Transformar el movimiento, Preparar la guerra, Diseñar a partir de organismos vivos, Imaginar el vuelo, Mejorar la manufactura y Unificar el saber. Casi podría decirse que cada uno de sus proyectos constituyó una enciclopedia gráfica de los conocimientos técnicos de la época.

    Los audiovisuales expuestos permiten a los visitantes conocer cómo los movimientos del agua, el vuelo de un pájaro o el andar de los caballos inspiraron a Da Vinci en sus creaciones renacentistas. Leonardo además de pintor y escultor, fue un inventor. Observaba el contexto que lo rodeaba, especialmente el natural, con el objetivo de crear máquinas que facilitaran el trabajo cotidiano. Uno de los ejemplos más interesantes es el diseño de un tanque de guerra inspirado en el caparazón de una tortuga.

    Según su curador Claudio Giorgione la idea de esta presentación al público es bastante clara «Queremos hacer hincapié en que Da Vinci era un hombre de su tiempo, un artista que vivió en un contexto muy rico e inspirador». Hasta los comienzos del siglo XX la historia del arte solo había visto en Da Vinci, un gran pintor. Dicha imagen se vio modificada por la publicación del primer libro de proyectos de ingeniería, con el cual Leonardo ganó la relevancia que merecía.

    La muestra podrá ser vista hasta el 10 de Mayo, con entrada gratuita en el Centro Cultural Fiesp – Ruth Cardoso (Av. Paulista 1.313, en frente de la estación de metro Trianon-Masp), en la ciudad de San Pablo.

  • Dalí en San Pablo, oportunidad única de apreciar de cerca al genio

    Dalí en San Pablo, oportunidad única de apreciar de cerca al genio

    Nota para Gala Visuales *

    Conocido por mantener un bigote extremadamente fino y por retratar sueños y fantasías, el surrealista Salvador Dalí (1904-1989) es homenajeado en el Instituto Tomie Ohtake con una muestra que reúne a más de 200 obras del pintor.

    Esta retrospectiva incluye grabados, fotos, documentos, audiovisuales (entre ellos el famoso «Un Perro Andaluz» dirigido por Luis Buñuel) y múltiples diseños, muchos de ellos para ilustrar libros como Alicia en el país de las maravillas, Fausto, Don Quijote y El Viejo y el Mar.

    Algunas de las piezas aquí exhibidas, recuerdan el mundo árido y desolador de los sueños de Dalí. En ellos la tierra firme pareciera convertirse en arena, rocas o barro dentro de escenarios incómodos y animalescos.

    La matriz principal de sus obras resulta de una increíble combinación entre las influencias recibidas por sus amigos surrealistas (Lorca o Buñuel), Gala (su amor y esposa) y una personalidad «bastante» excéntrica para muchos. Sus pinturas generalmente representan figuras recurrentes como relojes, muletas y cuerpos mutilados.

    La sala que mayor curiosidad parece generar en los asistentes, es la inspirada en la actriz estadounidense Mae West que incluye un sillón que simula ser la boca de esta mujer y en la cual pueden tomarse fotografías tipo “selfie”. Por ser una de las “atracciones” de la exposición, la fila para ingresar es de unos 40 minutos aproximadamente.

    La muestra se centra principalmente sobre los años 30 y el apogeo del movimiento surrealista. Al comienzo los visitantes encontrarán, por ejemplo, obras del pintor en su periodo de formación, tales como Retrato de Mi Hermana (1925) o Desnudo (1924).

    La primera itinerancia de esta retrospectiva fue llevada a cabo en la ciudad de Río de Janeiro con un éxito inesperado para los organizadores ya que la afluencia total fue de 978.171 visitantes. Cuestión que en realidad no debería impresionar a nadie, si se tiene en cuenta la transcendencia del artista y el hecho de ser la mayor exposición de obras del artista que se haya llevado a cabo en Latinoamérica.

    Cinco años duró la negociación para hacer de esta muestra una realidad. La curaduría es compartida por 3 institutos: Fundación Gala – Salvador Dalí creado por el artista en su ciudad natal, The Dali Museum en Florida y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

    Montse Aguer, directora del Centro de Estudios Dalinianos explicó que se busca presentar a este genio catalán «como un artista total, no sólo como un pintor, sino también como escritor, cineasta, escenógrafo e ilustrador».

    El dato: Llevar auriculares y un celular con app para lectura de códigos QR. La muestra incluye audios que pueden escucharse al escanear los códigos.

    Instituto Tomie Ohtake
    Rua dos Coropés, 88
    São Paulo
    De Martes a Domingo de 11:00 a 20:00hs
    Desde el 19/10 hasta el 11/01
    Entrada totalmente gratuita.

  • León Ferrari expone obras en el MASP

    León Ferrari expone obras en el MASP

    Nota para Gala Visuales *

    Se conoce que el MASP, es un sitio majestuoso no solo por su construcción edilicia sino por las increíbles muestras de talla nacional e internacional que en él se exponen. Terminado mi paso por las “Cidades Invisibeis” decidí aventurarme por un ascensor psicodélico que invita a seguir disfrutando del arte.

    En el segundo piso comenzaba una exposición totalmente diferente en cuanto a luces, colores, conceptos y por supuesto artistas. «El triunfo de los detalles (y luego nada)» es una selección de más de 60 piezas que abarca los retratos antiguos de Ticiano, pasa por el modernismo de Picasso, y llega hasta lo más contemporáneo con Mimmo Rotella, Regina Silveira y el mismísimo argentino, León Ferrari.

    La mayor parte de las piezas se concentran entre los siglos XVI y XIX, esto se debe a que con la llegada de la fotografía, la pintura evolucionó hacia otros horizontes perdiendo justamente el concepto en que se funda esta exposición: «el detalle».

    Pero volvamos a lo importante… claramente creo que cuando uno toma la decisión de vivir en otro país, el leer, escuchar o incursionar en una mínima y fugaz proximidad con su lugar de origen,  llama su atención.  Así fue, que mientras contemplaba cada uno de los cuadros expuestos ni bien leí “León Ferrari (Buenos Aires, Argentina, 1920 – 2013)” me detuve al instante.

    3 son las obras del reconocido artista argentino que se encuentran expuestas en el Museo de Arte de Sao Paulo. Ferrari es definido por muchos justamente con un trío de palabras “autodidacta, iconoclasta y provocador”. Su talento dio que hablar al mundo, esencialmente porque giraban en torno a la guerra, la religión, el poder y el sexo. En su carrera transitó por la escritura abstracta, las instalaciones políticas, el videotexto, la escultura,  el arte postal, la heliografía y los collages.

    Lamentablemente León murió el año pasado a sus 92 años en Buenos Aires, pero claramente sus años de exploración siguen vivos en pequeñas dosis a lo largo y ancho del planeta.

    «El arte es belleza y problematización del mundo. En las exhibiciones el público puede hallar obras que lo gratifiquen con sus formas y significados o que contradigan sus más arraigadas certezas; allí podrá ver imágenes que lo sorprendan, materiales y técnicas desconocidas e incluso desagradables. Lo que un espectador encuentra en un espacio de arte no siempre confirma su visión del mundo. El arte es, precisamente, uno de los campos que incide en la transformación de las ideas. Muchas veces el artista anticipó, con sus obras, los cambios en la historia”.

  • El MASP te trae una exposición sobre Ciudades Invisibles

    El MASP te trae una exposición sobre Ciudades Invisibles

    Nota para Gala Visuales *

    Italo Calvino nació en Cuba, se licenció en letras y en 1972 escribió un libro llamado «Las ciudades invisibles». En él se presentan una serie de relatos de viaje que Marco Polo hizo a Kublai Kan (emperador de los tártaros); este viajero imaginario habla de ciudades imposibles: microscópicas, suspendidas en el abismo, bidimensionales, entre otras. Podríamos decir, que según este personaje cada ciudad comprende lo suyo… cada lugar representa un sentimiento, un temor, un anhelo.

    Inspirada en esta obra de Calvino y con Teixeira Coelho como curador, el MASP (Museo de Arte de Sao Paulo) propone una exposición que incluye imágenes de 20 ciudades del mundo desde 1933 hasta la actualidad que se vuelve realidad bajo la mirada de 50 fotógrafos (entre ellos Cláudia Andujar, Miguel Rio Branco, Geraldo de Barros, José Medeiros, Thomas Farkas, Pierre Verger, German Lorca, Gautherot, etc.).

    “(…) un último poema de amor a las ciudades, cuando es cada vez más difícil vivirlas como ciudades” cita el autor en los muros del museo. Algo que sin querer nos invita a la reflexión sobre el desarrollo urbano ¿Cuáles son los desafíos que afronta nuestra querida ciudad contemporánea? Según Calvino, “tal vez estamos acercándonos a un momento de crisis de la vida urbana y `Las ciudades invisibles´ son un sueño que nace del corazón de las ciudades invivibles”. Está de más aclarar (pero por las dudas) que el objetivo principal de esta muestra es provocar en los visitantes un momento de deliberación sobre la vida en las grandes metrópolis.

    Las ciudades vibran, se mueven a grandes velocidades, las vemos en color y otras veces… en blanco y negro pero todo, absolutamente todo, depende de la perspectiva. Según su curador las fotos, a diferencia de las pinturas, son poco aptas para mentir. Y debo decir que un poco de razón, tiene.

    Una conclusión que atrevo a desarrollar parte, quizás, de una convicción muy personal sobre nunca dejar de buscar ese lugar utópico que a veces creamos en nuestra mente, aunque exista el riesgo de nunca descubrirlo. “El catálogo de las formas es interminable: mientras cada forma no haya encontrado su ciudad, nuevas ciudades seguirán naciendo”.

    La muestra se expone desde el 13 de junio en el Museo de Arte de Sao Paulo y, por el momento, no tiene fecha de cierre. Se la puede visitar de martes a domingos de 10:00 a 18:00hs (los jueves hasta las 20:00hs) con una entrada de R$15 (martes entrada libre).